Художник импрессионизм

“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его”

Анри Канвейлер

XIX век. Франция. В живописи произошло невиданное. Группа молодых художников решила пошатнуть 500-летние традиции. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий “небрежный” мазок.

А от привычных образов и вовсе отказались, изображая всех подряд. И дам лёгкого поведения, и господ сомнительной репутации.

Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное, ничего у них не покупали.

Но сопротивление было сломлено. И некоторые импрессионисты дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40. Как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Другие дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.

Что же революционного совершил каждый из них? Почему публика так долго их не принимала? Вот 7 самых прославленных французских импрессионистов, которых знает весь мир.

1. Эдуард Мане (1832—1883).

Эдуард Мане. Автопортрет с палитрой. 1878. Частная коллекция.

Мане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем.

Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.

Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь или натюрморты на худой конец, чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.

В результате появился “Завтрак на траве”. Два денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Музей д’Орсе, Париж.

Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.

“Завтрак на траве” обвинили в вульгарности. Беременным абсолютно серьезно не рекомендовали на неё смотреть.

Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru.

На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи XVI-XIX вв.). Колонны и статуи. Люди аполлоновской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.

“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Это была реальная жизнь реальных людей.

Мане пробовал считаться со вкусами публики. Писал портреты на заказ. Но из этого ничего не вышло.

Однажды изобразил одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.

Эдуард Мане. Ангелина. 1860. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный колорит. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он и изображал ее ярко-синей.

Это, конечно, раздражало публику. «Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане» – язвили они.

Эдуард Мане. Аржантей. 1874. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikimedia Commons.

Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника, который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.

Новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Но оно уже было ему не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.

О художнике читайте также в статье “Картины Эдуарда Мане, мастера с колумбовской кровью”.

2. Клод Моне (1840—1926).

Клод Моне. Автопортрет в берете. 1886. Частная коллекция.

Клода Моне можно назвать хрестоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.

Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.

Клод Моне. Лягушатник. 1869. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org.

Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных — “Бульвар Капуцинок”.

В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.

Обратите внимание: дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке.

Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва.

Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” — главная черта импрессионизма.

К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика — это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.

Лишь Моне продолжал упорствовать, гипертрофируя импрессионизм. Это переросло в серии картин.

Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.

Так появились бесчисленные стога сена.

Картины Клода Моне в Музее изящных искусств в Бостоне. Слева: Стога сена на закате в Живерни, 1891. Справа: Стог сена (эффект снега), 1891.

Обратите внимание, что тени на этих картинах цветные. А не серые или чёрные, как было принято до импрессионистов. Это ещё одно их изобретение.

Моне успел насладиться успехом и материальным благополучием. После 40 он уже забыл о нищете. Обзавёлся домом и прекрасным садом. И творил в своё удовольствие ещё долгие годы.

О самой знаковой картине мастера читайте в статье “Впечатление” Клода Моне. С чего начинался импрессионизм”.

3. Огюст Ренуар (1841—1919).

Пьер-Огюст Ренуар. Автопортрет. 1875. Институт искусства Стерлинга и Франсин Кларк, Массачусетс, США. Pinterest.ru.

Импрессионизм — это самая позитивная живопись. А самым позитивным среди импрессионистов был Ренуар.

В его картинах вы не найдёте драмы. Даже чёрной краской он не пользовался. Только радость бытия. Даже самое банальное у Ренуара выглядит прекрасным.

В отличие от Моне, Ренуар чаще писал людей. Пейзажи для него были менее значимы. На картинах отдыхают и наслаждаются жизнью его друзья и знакомые.

Пьер-Огюст Ренуар. Завтрак гребцов. 1880-1881. Собрание Филлипса, Вашингтон, США. Wikimedia Commons.

Не найдёте вы у Ренуара и глубокомыслия. Он был очень рад примкнуть к импрессионистам, которые поголовно отказывались от сюжетов.

Как он сам говорил, наконец у него есть возможность писать цветы и назвать их просто “Цветы”. И не выдумывать никаких историй про них.

Пьер-Огюст Ренуар. Женщина с зонтиком в саду. 1875. Музей Тиссена-Бормениса, Мадрид. arteuam.com.

Лучше всего Ренуар чувствовал себя в обществе женщин. Он просил своих служанок петь и шутить. Чем глупее и наивнее была песенка, тем лучше для него. А мужская болтовня его утомляла. Неудивительно, что Ренуар известен полотнами в стиле ню.

Модель на картине “Обнаженная в солнечном свете” словно проявляется на красочном абстрактном фоне. Потому что для Ренуара нет ничего второстепенного. Глаз модели или участок заднего фона равнозначны.

Пьер-Огюст Ренуар. Обнаженная в солнечном свете. 1876. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Ренуар прожил долгую жизнь. И никогда не откладывал кисть и палитру. Даже когда его руки совсем сковал ревматизм, он привязывал кисточку к руке веревкой. И рисовал.

Как и Моне, он дождался признания после 40 лет. И увидел свои картины в Лувре, рядом с работами знаменитых мастеров.

Об одном из самых обворожительных портретов Ренуара читайте в статье “Жанна Самари. 7 самых интересных фактов о картине”

4. Эдгар Дега (1834—1917).

Эдгар Дега. Автопортрет. 1863. Музей Галуста Гюльбенкяна, Лиссабон, Португалия.

Дега не был классическим импрессионистом. Он не любил работать на пленэре (на открытом воздухе). У него вы не найдёте намеренно высветленной палитры.

Наоборот, он любил чёткую линию. Черного цвета у него предостаточно. И работал он исключительно в студии.

Но все же его всегда ставят в ряд с другими великими импрессионистами. Потому что он был импрессионистом жеста.

Неожиданные ракурсы. Асимметрия в расположении объектов. Застигнутые врасплох персонажи. Вот главные атрибуты его картин.

Он останавливал мгновения жизни, не давая персонажам опомниться. Посмотрите хотя бы на его “Оркестр оперы”.

Эдгар Дега. Оркестр оперы. 1870. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

На переднем плане спинка стула. Музыкант к нам спиной. А на заднем фоне балерины на сцене не уместились в “кадр”. Их головы беспощадно “обрезаны” краем картины.

Так любимые им танцовщицы далеко не всегда изображены в красивых позах. Порой они просто делают растяжку.

Но такая импровизация мнимая. Конечно, Дега тщательно продумывал композицию. Это лишь эффект стоп-кадра, а не настоящий стоп-кадр.

Эдгар Дега. Две балетные танцовщицы. 1879. Музей Шелбурн, Вермут, США

Эдгар Дега любил писать женщин. Но болезнь или особенности организма не позволяли ему иметь с ними физический контакт. Он никогда не был женат. Никто никогда не видел его с дамой.

Отсутствие реальных сюжетов в его личной жизни добавляло тонкую и напряженную эротичность его образам.

Эдгар Дега. Звезда балета. 1876-1878. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Обратите внимание, что на картине “Звезда балета” прорисована только сама балерина. Ее коллеги за кулисами еле различимы. Разве что несколько ног.

Это не значит, что Дега не закончил картину. Таков приём. Оставить в фокусе лишь самое главное. Остальное сделать исчезающим, неразборчивым.

О других картинах мастера читайте в статье “7 выдающихся картин Эдгара Дега”.

5. Берта Моризо (1841—1895).

Эдуард Мане. Портрет Берты Моризо. 1873. Мармоттан-Моне музей, Париж.

Берту Моризо редко ставят в первый ряд великих импрессионистов. Уверена, что незаслуженно. Как раз у неё вы встретите все главные черты и приёмы импрессионизма. И если вам этот стиль нравится, вы полюбите ее работы всей душой.

Моризо работала быстро и порывисто, перекладывая на холст своё впечатление. Фигуры словно вот-вот растворятся в пространстве.

Берта Моризо. Лето. 1880. Музей Фабре, Монпелье, Франция.

Как и Дега, она часто не дорисовала некоторые детали. И даже части тела модели. Мы не можем различить рук у девушки на картине “Лето”.

Путь к самовыражению у Моризо был трудным. Мало того, что она занималась “небрежной” живописью. Она ещё была женщиной. В те времена даме полагалось мечтать о замужестве. После чего любое хобби забывалось.

Поэтому Берта долго отказывалась от брака. Пока не нашла мужчину, который уважительно отнёсся к ее занятию. Эжен Мане был родным братом художника Эдуарда Мане. Он покорно носил за женой мольберт и краски.

Берта Моризо. Эжен Мане с дочерью в Буживале. 1881. Мармоттан-Моне музей, Париж.

Но все же дело было в XIX веке. Нет, брюки Моризо не надела. Но полной свободы передвижения она себе позволить не могла.

Она не могла пойти в парк работать в одиночестве, без сопровождения кого-то из близких. Не могла посидеть одна в кафе. Поэтому ее картины — это люди из семейного круга. Муж, дочь, родственники, няни.

Берта Моризо. Женщина с ребёнком в саду в Буживале. 1881. Национальный музей Уэльса, Кардифф.

Моризо признания не дождалась. Она умерла она в 54 года от воспаления лёгких, не продав при жизни почти ни одной своей работы. В ее свидетельстве о смерти в графе “род занятий” стоял прочерк. Немыслимо было женщине зваться художником. Даже если она им на самом деле была.

О картинах мастера читайте в статье “Берта Моризо. Жертва предрассудков или хозяйка своей судьбы?”

6. Камиль Писсарро (1830 – 1903).

Камиль Писсарро. Автопортрет. 1873. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Камиль Писсарро. Неконфликтный, рассудительный. Многие его воспринимали, как учителя. Даже самые темпераментные коллеги о Писсарро плохо не говорили.

Он был верным последователем импрессионизма. Сильно нуждаясь, имея жену и пятерых детей, он все равно упорно работал в своем любимом стиле. И ни разу не переключился на салонную живопись, чтобы стать более популярным. Не известно, откуда он брал силы до конца верить в себя.

Чтобы совсем не умереть с голоду, Писсарро расписывал веера, которые охотно раскупали. А настоящее признание к нему пришло уже после 60 лет! Тогда наконец он смог забыть о нужде.

Камиль Писсарро. Дилижанс в Лувесьенне. 1869. Музей д’Орсе, Париж.

Воздух на картинах Писсарро густой и плотный. Необыкновенный сплав цвета и объёма.

Художник не боялся писать самые переменчивые явления природы, которые показываются на мгновение и исчезают. Первый снег, морозное солнце, длинные тени.

Камиль Писсарро. Иней. 1873. Музей д’Орсе, Париж.

Самые известные его работы — виды Парижа. С широкими бульварами, суетной пестрой толпой. Ночью, днём, в разную погоду. В чем-то они перекликаются с сериями картин Клода Моне.

Камиль Писсарро. Бульвар Монмартр ночью. 1897. Национальная галерея, Лондон.

Ночной воздух на картине “Бульвар Монмартр ночью” плавится от горящих фонарей и витрин.

Пространство изображено планетарно. Улица не прямая, а как бы выгибающаяся дугой. Это делает вид обычного бульвара величественным.

О мастере также читайте в статье “Камиль Писсарро. Картина ценой в одно пирожное”.

7. Альфред Сислей (1839—1899).

Пьер-Огюст Ренуар. Портрет Альфреда Сислея. 1868. Собрание фонда Эмиля Бюрле, Цюрих, Швейцария. Wikimedia Commons.

Альфред Сислей был человеком скромным и молчаливым. Такими же были и его пейзажи. Тихие, наполненные цветовым уютом. Сислей не любил внешних эффектов. Людей он тоже почти никогда не изображал.

Широкими мазками он писал подвижное небо и воду. Дома же выписывал более гладко. Это подчеркивало статичность материала. Как на его знаменитой картине “Наводнение в Порт-Марли”.

Альфред Сислей. Наводнение в Порт-Марли. 1877. Музей Д’Орсе, Париж.

Сислей особенно любил писать небо. С него он и начинал любую картину. Часто оно занимало бОльшую часть холста.

В изображении неба он также использовал разные мазки. Длинные помогали передать быстро движущееся предгрозовое небо. Лёгкие и тонкие передавали небо ясное и безоблачное.

Сислей признания так и не дождался. Его пейзажи казались публике невыразительными. Оценили их после его смерти. Сейчас они стоят миллионы долларов.

О мастере читайте также в статье “7 самых красивых пейзажа Альфреда Сислея”.

PS.

Несколько десятилетий импрессионисты боролись за признание. Кто-то полжизни. Кто-то весь свой век. Почему же так долго?

Представьте себя человеком XIX века. Для вас картина – это аккуратно и гладко выписанные тела и предметы. Каждый мазок “спрятан”.

Поэтому любитель живописи делал простой вывод. Эти стараются. А вот эти (импрессионисты) халтурят. Раз мазки видно. И краски не смешивают. И не хотят точно передавать действительность.

Обывателю ещё сложно было осознать, что эти “пачкуны” не хотят копировать реальный мир с помощью традиционных методов. Они мечтают сотворить свои собственные!

Импрессинизм — это школа художественного рыцарства. Он учит быть свободным от канонов и традиций.

Крещение импрессионизмом прошли все великие художники следующих поколений. И Пикассо, и Мунк. И даже Малевич.

Слева: Эдвард Мунк “Улица Лафайет”, 1901 г. Национальная галерея Осло, Норвегия. Справа: Пабло Пикассо “Коррида”, 1901 г. Частная коллекция. Внизу: Казимир Малевич “Весна, яблоня в цвету”, 1904 г. Третьяковская галерея.

Неожиданно увидеть Пикассо-импрессиониста? А уж тем более Малевича, изображающего нежный цвет яблонь. И такого позитивного Мунка.

Все они прошли стадию импрессионизма. Без этого они не смогли бы сделать следующий шаг. В кубизм (Пикассо). В экспрессионизм (Мунк). И даже в супрематизм (Малевич).

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по .

Оксана Копёнкина

Англоязычная версия

Живопись Клода Моне – это окно, распахнутое во Вселенную, восторженное преклонение перед природой, стремление передать красоту мира своим особым способом. Своеобразное художественное видение Моне стало основой для живописной манеры импрессионистов, которые передавали своё непосредственное впечатление от природы, видя в ней красоту изменчивости и безграничность, воссоздавали зрительное ощущение яркого солнечного света, пользуясь палитрой из чистых несмешанных красок. Этот обобщённый образ импрессионисты и воплощает в истории искусства Клод Моне.

ИМПРЕССИОНИЗМ (фр. impressionisme, от impression – впечатление) – художественный стиль в искусстве последней трети XIX – начала XX вв.. Он зародился в 1860-х годах во Франции. Художники К. Моне, К. Писсарро, А. Сислей разработали законченную систему пленэра. Они вышли писать свои картины на открытый воздух и получили возможность запечатлевать, как простой будничный мотив преображается в лучах сверкающего солнца, объемные формы как бы растворяются в вибрации света и воздуха. Импрессионисты стремились изобразить видимый мир во всем богатстве сверкающих красок, в присущей ему постоянной изменчивости и воссоздать единство человека и окружающей его природы. Для их произведений характерны изображение случайных ситуаций, смелость композиционных решений, кажущаяся неуравновешенность, фрагментарность композиции, неожиданные точки зрения, ракурсы, срезы фигур рамой.

Импрессионисты создали живописную систему, которая отличается разложением сложных тонов на чистые цвета, накладываемые на холст раздельными мазками с таким расчетом, чтобы при восприятии зрителем картины издали происходило оптическое смешение этих цветов. Все это, а также цветные тени и рефлексы создавали светлую, радостную живопись. Игра разнообразных мазков, пастообразных и жидких, придавала красочному слою трепетность и реальность, ощущение незаконченности, эскизности произведения. Для импрессионизма характерна тенденция стирания четких границ между жанрами, например слияние бытового жанра с портретом.
Импрессионизм широко распространялся в мировом искусстве.

Импрессиони́зм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — одно из крупнейших течений в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру. Представители импрессионизма стремились разрабатывать методы и приёмы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи (но это, прежде всего, группа методов), хотя его идеи также нашли своё воплощение в литературе и музыке, где импрессионизм также выступал в определённом наборе методов и приёмов создания литературных и музыкальных произведений, в которых авторы стремились передать жизнь в чувственной, непосредственной форме, как отражение своих впечатлений. Из родственных течений декаданса ближе всего к импрессионизму находится символизм. Многие художники, начиная в стиле символизма (и во вполне академической манере письма), затем переходили на стилистическую платформу импрессионизма.
Термин «импрессионизм» возник с лёгкой руки критика журнала «Le Charivari» Луи Леруа, который озаглавил свой фельетон о Салоне Отверженных «Выставка импрессионистов», взяв за основу название картины Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце» (фр. Impression, soleil levant). Изначально этот термин носил несколько пренебрежительный характер, указывая на соответствующее отношение к художникам, писавшим в новой «небрежной» манере.
В эпоху Возрождения живописцы венецианской школы пытались передать живую реальность, используя яркие краски и промежуточные тона. Их опытами воспользовались испанцы, наиболее отчётливо это выражено у таких художников как Эль Греко, Веласкес и Гойя, чьё творчество впоследствии оказало серьёзное влияние на Мане и Ренуара.
В это же время Рубенс делает тени на своих полотнах цветными, используя прозрачные промежуточные оттенки. По наблюдению Делакруа, Рубенс отображал свет при помощи тонких, изысканных тонов, а тени — более теплыми и насыщенными цветами, передавая эффект светотени. Рубенс не использовал чёрный цвет, что позднее станет одним из основных принципов живописи импрессионистов.
На Эдуарда Мане влияние оказал нидерландский художник Франс Халс, писавший резкими мазками и любивший контраст ярких красок и чёрного цвета.
Переход живописи к импрессионизму также подготовили английские живописцы. Во время франко-прусской войны (1870—1871) Клод Моне, Сислей и Писсарро отправились в Лондон, чтобы там иметь возможность изучить великих пейзажистов — Констебла, Бонингтона и Тёрнера. Что же касается последнего, то уже в его поздних работах заметно, как исчезает связь с реальным изображением мира и уход в индивидуальную передачу впечатлений.
Сильное воздействие оказал Эжен Делакруа, он уже различал локальный цвет и цвет, приобретаемый под воздействием освещения, его акварели, написанные в Северной Африке в 1832 году или в Этрета в 1835 году, и особенно картина «Море в Дьепе» (1835) позволяют говорить о нём как о предшественнике импрессионистов.
Последним элементом, который повлиял на новаторов, стало японское искусство. С 1854 года благодаря прошедшим в Париже выставкам молодые художники открывают для себя мастеров японской гравюры таких как Утамаро, Хокусай и Хиросиге. Особое, неизвестное доселе в европейском изобразительном искусстве, расположение изображения на листе бумаги — смещённая композиция или композиция с наклоном, схематическая передача формы, склонность к художественному синтезу, завоевали расположение импрессионистов и их последователей.
Начало поисков импрессионистов относится к 1860 годам, когда молодых художников уже не устраивают средства и цели академизма, вследствие чего каждый из них самостоятельно ищет иные пути развития своего стиля. В 1863 году Эдуард Мане выставляет в «Салоне отверженных» картину «Завтрак на траве» и активно выступает на встречах поэтов и художников в кафе Гербуа, которое посещали все будущие основатели нового течения, благодаря чему стал главным защитником современного искусства.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/Импрессионизм

Импрессионизм

Картины современных художников-импрессионистов

Огромное многообразие картин, которые пишут современные художники, это, с одной стороны, невероятное благо, а с другой — целая проблема. Придя в картинную галерею за покупкой, нетрудно растеряться — настолько здесь много полотен, каждое из которых уникально и может стать идеальным дополнением интерьера дома, офисного помещения, коммерческого заведения. Случается и так, что посетитель долго выбирает одно-единственное среди множества приглянувшихся ему произведений изобразительного искусства, но когда дело доходит до размещения его в интерьере, выясняется, что картина противоречит окружающей обстановке.

Чтобы не прогадать с выбором, советуем присмотреться к картинам в стиле современного импрессионизма — это могут быть портреты или пейзажи, которые будут прекрасно смотреться практически в любом интерьере. Что представляют собой данные произведения изобразительного искусства, в чем их отличие от классического импрессионизма, да и как охарактеризовать импрессионизм в целом — ответы на эти вопросы вы получите прямо сейчас.

Понятие импрессионизма

Импрессионизм являет собой одно из известнейших и крупнейших направлений мирового искусства, затронувшее не только живопись, но также литературу и музыку. Возник он в XIX веке, а если точнее, в его середине, в 1860-х годах. И в те времена, и сегодня импрессионизм подразумевает максимально живую и естественную передачу художником собственного видения мира, а также ощущений/впечатлений, которые вызывает у него тот или иной объект.

Наибольшую известность среди живописцев, придерживавшихся этого течения, приобрели французы Эдуард Мане, Клод Моне, Огюст Ренуар, Камиль Писарро, Эдгар Дега. Эти мастера являются гуру для абсолютного большинства последователей, включая современных художников-импрессионистов, а картины их получили мировую популярность и хранятся в лучших музеях Европы.

По всем интересующим Вас вопросам обращайтесь по телефону: +7 (812) 309-28-38

Импрессионизм, как его понимают наши современники

В отличие от других течений в изобразительном искусстве, импрессионизм никогда не забывался. Интерес к нему то угасал, то проявлялся вновь, но ни разу не пропадал окончательно. Сегодня мы в очередной раз можем наблюдать небывалую популярность импрессионизма в живописи — практически во всем мире художники пишут картины, изображающие те или иные аспекты современной жизни в густонаселенных городах и спокойной сельской местности. Изменилась разве что цветовая палитра — она стала обширнее, ведь течение постоянно развивается, не стоит на месте.

Полотна современных мастеров обладают более богатой гаммой красок, но манера написания остается все той же — чуть небрежной, но невероятно живой, что помогает создавать красочные, удивительно натуралистичные изображения.

Что изображается в произведениях живописи?

  • Портреты — индивидуальные и групповые.
  • Пейзажи — любимейший сюжет картин большинства импрессионистов, и основателей течения, и их нынешних последователей. Здесь наиболее популярным предметом для изображения являются всевозможные водоемы — пруды, речки, заливы, озера, но особую страсть импрессионисты питают к передаче на холсте моря. Именно море в разных его проявлениях — от спокойного и миролюбивого, до бушующего и грозного — мы можем видеть на картинах представителей направления «импрессионизм», начиная основоположниками и заканчивая современными мастерами кисти.

Где и как приобрести картины?

Если вы заинтересованы данным течением живописи, предлагаем обратиться в «Мансарду Художников», расположенную на улице Б. Пушкарская, дом 10 в Санкт-Петербурге. У нас регулярно проводятся выставки, на которых вы можете не только полюбоваться картинами импрессионистов, но и купить понравившееся полотно.

Наше арт-пространство — это уникальный для Северной столицы проект, рассчитанный на популяризацию современного изобразительного искусства. Принять участие в выставках вправе все художники, вне зависимости от выбранного направления, опыта, известности.

Мы также придерживаемся мысли, что искусство должно быть доступным, а потому предлагаем купить картины, написанные в стиле импрессионизма, по вполне демократичным ценам. Сделайте эксклюзивный подарок себе или близким, тем более что с нашей помощью это очень просто!

Импрессионизм в живописи, или Ловцы прекрасного мгновенья

Импрессионизм — это влиятельное, масштабное, переломное течение в искусстве заключительной трети XIX и начала XX столетия. Нередко историю живописи делят на периоды до и после импрессионизма. Это течение заложило основы изобразительного искусства XX века со всеми его многочисленными авангардными стилями. И хотя сейчас импрессионистское творчество кажется более близким к классической традиции, чем к современному искусству, для современников идеи импрессионистов были подобны свежему ветру, ворвавшемуся в мир увядающего академизма и салонной живописи.

Импрессионизм и вправду сравним с дуновением ветра, трепетом листьев, бликами солнца на морской ряби. Сама суть этого творческого метода — в отражении изменчивости окружающей реальности. Импрессионисты старались уйти от статичного изображения мира и сделать картины более живыми. Они стремились отразить движение, наполняющее природу, передать в произведениях изменения воздуха, теней, света. Художник-импрессионист пытался уловить ускользающее мгновение и запечатлеть настроение момента.

Импрессионизм — термин, образованный от французского слова «впечатление» (impression). Глядя на картины импрессионистов, кажется, что они написаны торопливыми мазками, будто художник старался как можно быстрее перелить на холст переполнявшие его эмоции. Одному из первых критиков импрессионизма, Луи Леруа (Louis Leroy), такая манера даже показалась небрежной. Вот он и назвал свой фельетон о Салоне Отверженных, где выставлялись картины первых импрессионистов, L’Exposition des impressionnistes, что можно перевести как «Выставка впечатленцев».

Леруа острил и язвил, но термин прижился и стал искусствоведческим. Теперь его уже применяют, конечно, безо всякой иронии.

Рассматривая шедевры импрессионизма, созданные мастерами этого направления, можно выделить их общие черты:

  • конкретность места и времени действия. На импрессионистских картинах всегда запечатлено мгновение «здесь и сейчас», с учётом освещения, времени суток, погоды, угла зрения;
  • акцент на главное (с точки зрения художника). Глядя на картины импрессионистов, зритель словно бросает вместе с ним взгляд в толпу или на природу, выхватывая из реальности краски, силуэты, эмоции, образы — но не сосредотачиваясь на деталях;
  • сиюминутность. Возникает ощущение, что мир на картине живёт, люди идут, реки текут — и через мгновение изображение изменится;
  • визуальные эффекты. Это ощущение подчёркивают блики, мерцание, трепетание, дрожь, рябь и другие «маркеры» изменчивости;
  • жизненность, будничность сюжетов. Поскольку импрессионисты «ловили мгновение», они отказались от традиционных академических сюжетов — исторических, мифологических, религиозных. Главными темами стали пейзажи и сцены из повседневной жизни. Они живописали современность, не чуждаясь простых и даже «низменных» (с академической точки зрения) сцен.

Демократический подход к выбору сюжетов скандализировал консервативную публику: вместо привычных Венер им предлагали взглянуть на танцовщиц и проституток, вместо наполненных высокими идеями сюжетов они видели пикники и кабаки.

Пожалуй, пейзажи были самыми безобидными, но и здесь новаторы-импрессионисты сумели возмутить традиционалистов. Давайте разберёмся, почему.

Импрессионизм — это новая техника и новый взгляд

Отвечая на вопрос, что такое импрессионизм, необходимо подчеркнуть, что это нечто большее, чем стиль. Это философия, идейная позиция, набор художественных методов, охватившее разные области культуры течение. Дело было не только в том, что живописцы-импрессионисты стали писать картины с определёнными стилистическими особенностями. Они предложили новый взгляд на мир, выйдя из студийных стен.

Веками мастера писали в студиях сюжетные полотна, портреты и даже пейзажи. Это не позволяло передать нюансы, связанные с естественным освещением. Например, рисуя закат, художник передавал некое умозрительное, обобщённое представление о закате.

Стремясь поймать и перенести на холст мимолётное впечатление, импрессионисты противопоставили студии пленэр. В это время появились тюбиковые краски, что дало возможность работать на природе или на улицах города.

Это позволило писать мир именно таким, каким художник видел его в момент создания картины. Но оказалось, что традиционные методы живописи не подходят для такой работы! Возникла необходимость в создании особой техники. Её особенности:

  • отказ от чётких контуров;
  • отказ от детализации и прорисовки (впрочем, иногда на импрессионистских картинах часть изображения прорисована, часть — нет);
  • отказ от лессировки, то есть от нанесения полупрозрачных красок поверх основного цвета, что характерно для классической школы;
  • использование этюдных мазков — энергичных, крупных;
  • раздельное наложение мазков;
  • отказ от смешивания красок — это одна из ключевых особенностей импрессионистской техники.

Живописцы-импрессионисты отказались от использования палитры и создавали оттенки, нанося мазки чистых цветов близко друг к другу (интересно, что чёрную краску практически не использовали, создавая тёмные зоны за счёт визуальных эффектов). Поэтому на импрессионистские произведения нужно смотреть с определённого расстояния.

Однако новаторская техника была только частью тех изменений, которые принёс в живопись импрессионизм. Выяснилось, что при естественном освещении в различное время суток, в тени или на ярком солнце, предметы не всегда выглядят так, как мы привыкли видеть их в комнате или на классических картинах. Например, когда солнце бьёт в глаза, мы щуримся, и это меняет восприятие, а если небо заполоняет грозовой фронт, мир обретает контрастную чёткость.

Это замечательно продемонстрировал Клод Моне в цикле картин «Стога сена».

Художники-импрессионисты стали изображать вещи такими, какими видели их в момент творения картины, и это ломало шаблоны. Например, красные ягоды могли приобрести фиолетовый оттенок, а уходящая вдаль фигура — полураствориться в пелене тумана или дождя.

С другой стороны, отражение мира «как он есть» было у импрессионистов не таким, как в реализме. Повысилась роль субъективности восприятия, которая впоследствии набрала ещё большую силу у постимпрессионистов, «диких» фовистов и представителей других новаторских течений.

Великие художники-импрессионисты

Первые импрессионистские ноты появились в пейзажах известных мастеров. Предтечами импрессионизма считаются Эжен Делакруа (Eugène Delacroix) и Уильям Тёрнер (William Turner).

Интересно, что на развитие импрессионизма оказало влияние творчества Кацусики Хокусая и других японских пейзажистов.

Как отдельное течение импрессионизм начал формироваться в 1860-х годах, а первая выставка, объединившая новаторов, состоялась в 1874 году. Тогда же, кстати, Луи Леруа напечатал свой фельетон, благодаря которому у направления появилось название.

Наибольшее влияние на развитие нового стиля оказали:

  • Эдуард Мане (Édouard Manet) и Клод Моне (Claude Monet) — два великих импрессиониста с похожими фамилиями. Их знакомство началось с путаницы на выставке и ссоры (Мане поздравляли с успехом Моне), но эта забавная ситуация стала началом большой дружбы;
  • Эдгар Дега (Edgar Degas), певец театрального мира, оперы и кафешантанов. Один из немногих живописцев-импрессионистов, избегавший пленэра;
  • Пьер Огюст Ренуар (Pierre-Auguste Renoir) — первый среди художников направления, которого признал свет;
  • Альфред Сислей (Alfred Sisley) — мастер лирического пейзажа.

Большой вклад в развитие импрессионистской живописи внесли Камиль Писсарро (Camille Pissarro), Фредерик Базиль (Frédéric Bazille), Гюстав Кайботт (Gustave Caillebotte) и художница Берта Моризо (Berthe Morisot).